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《美丽的秋天》

2013年07月24日 来源:中国残疾人艺术馆

 
《美丽的秋天》 作者:史晓慧

史晓慧简介

职业画家,聋人。现为北京美术家协会会员、中国残疾人美术家联谊会会员、中华慈善总会“慈善爱心书画家”、清华大学“百善艺术家”等。主攻彩墨人物,将西方印象派色彩等形式融入中国水墨人物,既保持了中国画原有的精神和味道,同时又折射出西方绘画印象派的技巧,形成了自己独特的风格。作品多次在国内外发表、参展、获奖,其中《新世纪大运之光》被中国体育博物馆收藏,《秋实》被中国残疾人联合会收藏。

绘画中的色与彩——读史晓慧的国画作品《美丽的秋天》

(文/张和勇)看到史晓慧的《美丽的秋天》这幅作品时,引起了我去想绘画中的色彩问题。记得上大学时,每年秋天学校都会安排室外写生课,秋的天地几乎为我们这些学画的人在纸上分布好了色彩,让人激动得有些手忙脚乱,也就是在那为秋色激动的日子里,不知不觉中奠定了我对色与彩的人生感悟和艺术认知情结。之后,每到秋天,视线里每天变化着的色彩还隐隐勾起我心底里那分写生的冲动。

生活中我们常把色与彩统称为色彩或彩色,如果用画家的大脑想一想时,会发现色与彩还是有着很大的区别。色是物体在光线作用下呈现的颜色,也是画家绘画时使用的材料;彩要比色丰富而有内涵得多,彩是画家用色完成的一种有情有感的视觉效果,是可以构成人的情感效果的调,对画家而言,色与彩加起来才真正具有传达情感和生命力的功能。画画的人对色彩的感悟力往往是也必然是超于常人的,这是不断观察自然、反复绘画实践的结果。即使是以水墨为主要表现手段的中国文人画家,也常常用色彩的标准来衡量墨在画中的层次,中国传统水墨画评判中有一个标准叫“墨分五彩”。

西方人在绘画中对色彩的认识和运用是在追循客观自然的原则下进行的。距今140年前后,以巴黎为中心的一批画家在革新传统绘画中找到了光对客观物像色的作用,这批画家把在不同光线下观察到的景物色彩呈现在画布上,他们陶醉在捕捉大自然的光与色之中,从而增强了色彩在绘画中的生命力和科学性,这批当时在绘画界非主流的画家被当时的媒体嘲讽为“印象画派”,从1874年到1886年的12年中他们艰难地举办了影响力不大的8次联展后各自散去,然而,历史却肯定了这批画家和他们作品的不朽价值,一个个伟大的名字被世人记住了:莫奈、毕沙罗、马奈、雷诺阿、塞尚以及后来的凡高、高更等,这是画家与色彩在艺术上的一次伟大的对话。中国自从宋代文人画兴起,文人们渐渐远离色彩,在水墨中寻找一种超凡脱俗的雅境,使水墨画发展成为中国画固定的一种表现形式,并在中国近千年绘画史中占据了主流地位,其审美思想影响甚广。虽然中国画的色彩系统和西方油画的色彩系统是由两条路径发展而来的,但源于自然是相同的。印象画派以及之前的西方画家都极力遵循再现客观自然的真实物像和色彩去创作,在此基础上虽融入了画家的情感,但更多的是体现在内容上;而中国画家在魏晋南北朝时期就形成了与西方艺术不同的绘画观,形成了以主观的创作意念去观察和表现自然的思想和方法。南朝画家谢赫在总结绘画标准和美学原则的“六法”中关于“随类赋彩” 的理论观点,就高度概括了色彩的绘画理念,使画家在色彩运用上具备了主观意念的发展空间。中国画家在观察自然的同时就开始把客观自然中的真实物像和色彩进行意象加工,在这种加工过程中,画家往往会提炼物像和色彩的特征,夸张物像和色彩的构成,使画家的主观意念在落笔前达到明确,在创作过程中不断完善,从而寻求作品与客观现实在精神上的和谐统一,而不是在客观物像与作品之间回答“像?还是不像?”的问题。与自然世界的精神相像是中国画家寻求的一大目标,也是中国画的写意精神所在。

如何在绘画中对待色彩的问题,中国画在创作时常用的方法有二:一是以水墨为主,略施淡彩,这样既彰显了中国画的水墨韵味,也不失色彩的层次;二是在墨的基本框架上以重彩入画,传统绘画中的青绿山水、设色人物和现代的泼彩方法都靠色彩取胜。而把水墨和色彩都较为浓烈地交触在绘画上,是多数人不敢碰的,这种方法的成功率不高,需要画家对墨、色和水有着超强的驾驭能力。史晓慧在色彩与水墨的交融中一直在努力地探索着,也不断画出令人叫好的作品,在《美丽的秋天》这幅作品中她大胆地把墨和色交融在一起,墨色几乎布满了画面,却达到了墨色多而不脏,层次丰而不乱的效果,她笔下的墨与色在画面上传递着一种神采,这神采是秋天的,也是她内心的。在笔墨技巧上她用多笔少线的 “没骨”手法完成,并在水的使用上为画面营造了人实景虚的梦幻气分。画面中无论是人物还是花树所呈现的那种清幽、恬淡、平和的气息也是作者现实心境的艺术再现。

这幅作品如果在人物的比例、透视关系的造型上再精准或夸张一些,在笔墨运用上给线条多一些变化和肯定,无疑还会增添作品的精彩度。

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